Alles Gute zum Valentinstag! Kaufe eins, schenke eins. 44:44:44
Emma Tibbey
Die Kunstwelt verändert sich ständig, entwickelt sich weiter und schreitet zu neuen Erkenntnissen voran.
Dieser stetige Wandel macht das Kunsthandwerk so aufregend, denn wir können uns immer auf neue verrückte und coole Ideen und Erfindungen freuen.
Wenn du auch von der künstlerischen Zukunft fasziniert bist, solltest du erkunden, welche Möglichkeiten auf dich warten.
Es gibt so viele verschiedene Arten, wie sich die Kunstwelt im Laufe der Zeit verändert hat, und es wird noch mehr kommen.
Bevor wir uns näher mit den Möglichkeiten der digitalen Kunst beschäftigen, fassen wir zusammen, dass digitale Kunst jede Kunst ist, die mit digitaler Technologie gemacht wird. Digitale Kunst hat sich in der heutigen Zeit zu einem äußerst beliebten Medium der Kunstgestaltung entwickelt.
Das liegt vor allem daran, dass die Gesellschaft die digitale Technologie ständig erkundet, was es Künstlern ermöglicht, die Technologie auf neue und kreative Weise zu nutzen und zu erweitern.
Wenn du daran interessiert bist, selbst digitale Kunst zu erstellen, könnten dir unsere Procreate Digitale Kunst Kurse, helfen, dir auf deinem Weg zu helfen.
Kunst ist eine der grundlegenden Ausdrucksformen der Menschheit.
Sie existiert schon seit Jahrhunderten und wird auch in Zukunft weiter existieren und sich weiterentwickeln! Wenn du dir die neuesten Technologien in der digitalen Kunst ansiehst, ist es wichtig, die Geschichte der Kunst zu kennen.
Kunst hat im Laufe der Jahrhunderte einen weiten Weg zurückgelegt, von Höhlenmalereien und Steinzeichnungen in der Altsteinzeit bis hin zu unserer neuen Ära, in der Kunst im Einklang mit digitaler Technologie geschaffen wird – wie KI-generierte Kunst im 21. Jahrhundert.
Das zeigt, wie entwicklungsfähig die Kunstpraxis ist, was die Zukunft umso spannender macht.
Die Evolution der Kunst ist weitreichend, denn Formen der von Menschen geschaffenen Kunst lassen sich bis 30.000 v. Chr. zurückdatieren, wobei Steinzeichnungen und Skulpturen als Relikte aus der Altsteinzeit identifiziert wurden.
Seit diesem Zeitpunkt haben sich die künstlerischen Fähigkeiten des Menschen sprunghaft weiterentwickelt, und mit dem technischen Fortschritt hat sich auch die Kunst weiterentwickelt.
Die frühe Digitalisierung in der Kunst zeigt sich in der Verwendung und Erfindung von Kameras oder kameraähnlichen Technologien, wie zum Beispiel der Camera Obscura aus dem Jahr 400 v. Chr. Mit diesem Gerät konnten Künstler Bilder projizieren und sie dann auf Papier nachzeichnen, um Szenen zu zeichnen oder nachzustellen.
Im Laufe der Zeit wurden viele weitere digitale Technologien eingeführt, und bedeutende Epochen wie die industrielle Revolution brachten viele technische Erfindungen in den Kunstbereich ein.
Kameras haben es Filmemachern ermöglicht, ihre Ideen zum Leben zu erwecken und ihre künstlerischen Visionen durch den Einsatz von digitaler Technologie auszudrücken. Der erste Film, der in den späten 1800er Jahren gedreht wurde, zeigte die Möglichkeiten digitaler Technologien, indem er die Kamera zur Visualisierung einer Erzählung einsetzte.
Seitdem hat dieses lebensverändernde Kunstmedium seine Bedeutung in der Welt nicht verloren. Der moderne Film erfordert ein ausgeklügeltes System von Produktions- und Postproduktions-Technologien.
Dazu gehören viele verschiedene computerisierte Elemente wie Tonbearbeitung, VFX oder einfach nur das Filmen mit einer Kamera. Der Film hat gezeigt, welche monumentalen Möglichkeiten sich aus der Kombination von digitaler Technologie und dem Geist eines Künstlers ergeben.
Kunst lässt neue Ideen und Innovationen zu, um ihre Grenzen herauszufordern, sich immer weiterzuentwickeln und sich neu zu erfinden. Das hat den Künstlern erlaubt, mit allen Aspekten des Kunstschaffens zu experimentieren, einschließlich, aber nicht beschränkt auf die Materialien, die zur Herstellung von Kunst verwendet werden.
Die Digitalisierung ist eine große und anhaltende Veränderung in der Kunstwelt, und immer mehr Menschen entdecken, wie sie diese neue Technologie in ihr künstlerisches Schaffen integrieren können.
Absolvieren wir eine schnelle, kurze Lektion in Kunstgeschichte.
Um digitale Kunst zu verstehen, sind Kenntnisse über die Kunstbewegungen sehr hilfreich. Die Kunstbewegungen werden in verschiedene Perioden unterteilt, wobei die bedeutenderen Epochen ganze Ideologien rund um die gesellschaftliche Wahrnehmung von Kunst und Kunstproduktion definieren.
Die erste technologisch prägende Kunstepoche war die Renaissance.
Diese Kunstepoche erstreckte sich vom 14. bis zum 16. Jahrhundert und bedeutete die Wiedergeburt der klassischen Kunst! Obwohl sie sich auf klassische Ideale konzentrierte, fand die Renaissance in einer Zeit statt, die die Einführung neuer Technologien ermöglichte.
Diese neuen Technologien zeigen sich in der stärkeren Konzentration auf wissenschaftliche Entdeckungen in den Bereichen Anatomie, Perspektive und Mathematik, die zur Idealisierung des Naturalismus beitrugen.
Mit der Erfindung des Buchdrucks erlebte die Renaissance auch einen technischen Fortschritt, der die Rolle des Künstlers in Frage stellte und eine größere Produktion von Kunstwerken ermöglichte.
Darüber hinaus feierte die Renaissance die Geburt der Digitalisierung durch Kameras und Fotografie, die eine ganz neue Ära des Kunstschaffens kreierten und zeigten, wie wichtig der Einsatz von Technologie in der Kunstwelt ist.
Dieses goldene Zeitalter der Kunst war so einflussreich und aufbauend, weil es digitale und neue Technologien einsetzte.
Anfang des 20. Jahrhunderts kam eine neue, für den technologischen Fortschritt entscheidende Kunstbewegung ins Rollen. Der Modernismus.
Der Modernismus zeigt den Einfluss, den die Digitalisierung und neue Technologien auf den Kunstsektor hatten, und so wie die Menschheit technologisch fortschrittlicher wurde, so wurde es auch die Kunst.
In dieser Zeit begann man, motorisierte Fahrzeuge in den Kunstprozess einzubeziehen. Künstler wie Len Lye nutzten die Technologie, um bewegliche Skulpturen zu gestalten.
Maschinen, Technologie und digitale Medien wurden immer mehr in den künstlerischen Prozess integriert und Künstler begannen, die neuen Entdeckungen, die das elektronische Zeitalter mit sich brachte, zu nutzen.
Damit öffnete sich die Welt für die Idee, digitale Medien und Kunst zu kombinieren, um zum Nachdenken anregende und schockierende Werke zu kreieren.
Der Begriff “digitale Kunst” tauchte erst in der Postmodernen in den frühen 1980er-jahren auf, als Computeringenieure eine neue Technologie erfanden, die es ermöglichte, Bilder digital zu erstellen.
Diese Entwicklung, die von Harold Cohen vorangetrieben wurde, zeigte, wie Computer und digitale Technologie zum Kreieren von Kunst eingesetzt werden können, und verdeutlichte die Möglichkeiten der digitalen Kunstproduktion in der Kunstwelt.
Cohen war in der Lage, den Begriff “digitale Kunst” mit seiner Erfindung dieser Technologie – genannt AARON – zu popularisieren. Dies manifestierte eine universelle Aufregung über die Grenzen des Künstlertums, während sich die Welt von der Moderne in einen Zustand der Postmoderne entwickelte.
Dieser Fokus auf das postmoderne Kunstschaffen bedeutete eine Ablehnung traditioneller künstlerischer Werte und führte zu einer Akzeptanz des Konzepts, digitale Technologien für die Kunstproduktion zu nutzen.
Diese reiche Geschichte zeigt, wie sich die Kunst im Laufe der Zeit weiterentwickelt hat, insbesondere wie sie in der Lage war, sich parallel zur digitalen Welt zu entwickeln. Das macht die Zukunft der Kunst zu einer spannenden Angelegenheit.
Es gibt noch so viel mehr zu entdecken! Welche neuen Erfindungen könnten die Art und Weise, wie wir Kunst betrachten, für immer verändern?
Digitale Kunst ist zum Synonym für Computerzeichenprogramme geworden. Diese Programme sind mit der Zeit viel zugänglicher und umfangreicher geworden. Werfen wir also einen Blick auf die Geschichte von computergestützten Zeichnungen und Programmen!
In den 60er Jahren waren die ersten Anfänge von Computer-Zeichenprogrammen zu vernehmen – auch wenn man sie noch nicht als “digitale Kunst” bezeichnete, begannen Künstlerinnen und Künstler in diesen frühen Jahren mit der neuen Technologie zu experimentieren.
In den 60er-jahren schuf John Whitney eines der ersten computergenerierten Kunstwerke. Er nutzte digitale und mechanische Geräte, um musikalische Kompositionen mit visuellen Darstellungen zu verknüpfen, indem er sich mit Computerbildern und -technologie beschäftigte.
In den 60er Jahren nutzten andere Künstler, wie Paul Klee, Computeralgorithmen, um computergenerierte Kunst zu erzeugen!
In den 80er Jahren, nach der Erfindung von AARON, begann sich die Kunstszene mehr auf digitale Kunst zu konzentrieren als auf computergestützte, algorithmisch erzeugte Kunstwerke.
Die Zahl der Computer-Zeichenprogramme stieg stark an, als die Konkurrenz begann, verschiedene Zeichenplattformen einzuführen.
Das erste Zeichenprogramm war unter dem Namen PCPaint bekannt und wurde 1984 erfunden. Es war das erste IBM PC-basierte, mausgesteuerte GUI-Computerzeichenprogramm und ermöglichte es den Benutzern, digitalisierte Kunstwerke von ihrem Computer in das Programm zu übertragen.
Danach kamen viele weitere Computerzeichenprogramme auf den Markt, wie z. B. die 1985er Version von Paint oder Apples 1984er Reihe von Zeichen- und Vektorzeichenprogrammen, bekannt als MacPaint und MacDraw. In den späten 80er-jahren wurden auch Adobe Illustrator und Adobe Photoshop eingeführt.
Im 21. Jahrhundert wurden diese Technologien erweitert und sind nun für jeden, der digitale Kunst mit Computerzeichenprogrammen kreieren möchte, leicht zugänglich.
Wenn du mehr darüber erfahren willst, wie man einige der populäreren Programme für digitale Kunst benutzt, kannst du dir unsere Kurse Digitales Zeichnen in Photoshop oder Digitale Illustration mit Procreate ansehen. Sieh dir auch unsere Sammlung der besten Procreate Kurse und Illustrationskurse an.
Seit ihrer Erfindung hat sich die digitale Kunst zu einem festen Bestandteil der künstlerischen Praxis entwickelt. Sie ist in vielen verschiedenen kreativen Bereichen zu sehen und wird in verschiedenen Formen und aus verschiedenen Gründen eingesetzt.
Wenn du dich für die Zukunft der digitalen Kunst interessierst, wäre es gut zu wissen, wie der heutige digitale Kunstbereich aussieht.
Werfen wir also einen Blick auf die verschiedenen Arten der digitalen Kunst.
Digitales Malen und Zeichnen ist vielleicht die bekannteste Form der digitalen Kunst! Dabei verwenden Künstlerinnen und Künstler Computerzeichenprogramme, um Kunstwerke digital zu kreieren.
Mit diesen Programmen kann der Künstler Pinsel oder Stifte benutzen oder erstellen, die traditionelle Mal- und Zeichenutensilien nachahmen, und mit diesen Werkzeugen jedes beliebige Kunstwerk kreieren. Digitales Malen und Zeichnen erfreut sich großer Beliebtheit, denn es ist eine äußerst effektive Art, Kunst zu kreieren.
Digitales Malen und Zeichnen erfordert immer noch die Fähigkeiten und Techniken, die man zum Zeichnen mit Stift und Papier braucht. Dennoch ist es in der heutigen Zeit populär und beliebt geworden. Es gibt verschiedene Gründe, warum jemand digitale Zeichenplattformen nutzen möchte.
Zum Beispiel kannst du deine Kunstwerke überlagern, was bedeutet, dass du deine komplizierten und verschlungenen Werke systematischer organisieren kannst. Du kannst freier experimentieren, ohne dir Sorgen über die Verschwendung von Materialien zu machen. Daher kann es eine kostengünstigere Alternative zur traditionellen Kunst sein.
Insgesamt ist es eindeutig, dass digitales Malen und Zeichnen ein äußerst nützliches Kunstmedium ist.
Letztendlich ist die Definition des digitalen Malens und Zeichnens einfach.
Es ist der Prozess des digitalen Kreierens eines Gemäldes oder einer Zeichnung.
Vektorkunst ist eine weitere bedeutende Art der digitalen Kunst, die einen großen Teil der zeitgenössischen Kunstpraxis ausmacht. Wenn du dich schon mal für Grafikdesign interessiert hast, ist Vektorkunst ein wichtiger Aspekt dieses beliebten und gefragten Prozesses.
Vektorkunst wird mit einer Vektordesign-Software kreiert. Bei dieser Art von digitaler Kunst werden mathematische Formeln verwendet, um Formen und Linien zu kreieren, im Gegensatz zur Verwendung von Pixeln. Diese Formen und Linien bestehen aus Punkten, die miteinander verbunden werden können, um Linien und schließlich Formen zu bilden.
Da bei der Vektorkunst keine Pixel zum Einsatz kommen, kannst du Designs kreieren, die immer von extrem hoher Qualität sind. Das macht die Vektorkunst für Grafikdesignerinnen und -designer sehr interessant, denn sie können mit Vektorkunstprogrammen extrem scharfe und hochauflösende Formen und Designs erstellen.
3D-Modellierung ist eine digitale Kunstform, die es Künstlern ermöglicht, Linien und Formen auf einer Ebene zu manipulieren, um ein Netz zu erstellen, das zu einem 3D-Modell eines Objekts wird. 3D-Modelling wird verwendet, um 3D-Grafiken zu kreieren, und kann sogar animiert werden, z. B. in Videospielen!
3D-Bildhauerei ist eine ähnliche, aber modernere Version der 3D-Modellierung. 3D-Bildhauerei ist genau das, wonach es klingt… Bildhauerei in 3D.
Dazu erhältst du eine Art digitalen Block aus Ton, den du so bearbeiten kannst, dass er die gewünschte Form oder das gewünschte Objekt kreiert. Das wird oft benutzt, um 3D-Bilder von Menschen, Requisiten und vielem mehr zu erstellen.
Bei der Fotomanipulation wird ein Bild genommen und mit digitaler Technik überzeichnet oder manipuliert. So können Künstler realistischere digitale Kunstwerke schaffen, indem sie Bilder und Zeichnungen überblenden, um ein hyperrealistisches digitales Design zu kreieren.
Man kann es auch als Matte Malerei bezeichnen, bei der ein Künstler reale Szenen mit einem gezeichneten Hintergrund verschmilzt, um realistische, aber imaginäre digitale Bilder zu schaffen.
Animation ist ein wichtiger Teil der digitalen Kunst, denn die Technologie ist so weit fortgeschritten, dass Animatoren mit Hilfe der digitalen Programmierung unglaubliche Werke kreieren können.
2D-Animation ist ein wichtiger Aspekt der Animation; ich bin mir sicher, dass dir viele Lieblingsfilme und Fernsehsendungen aus deiner Kindheit oder sogar aktuelle Lieblingsfilme einfallen, die mit 2D-Animation gemacht wurden!
Dank der digitalen Technologie gibt es mehrere Methoden, um 2D-Animationen zu erstellen. Die beiden Hauptkategorien sind Frame- oder Skelettanimation!.
Wenn du als Kind schon mal Post-It-Zettel-Animationen gemacht hast – kleine Strichmännchen gezeichnet hast, die sich Stück für Stück auf jeder Seite bewegten, und dann durchgeblättert hast, um dir die Szene anzusehen, die du kreiert hast – dann kennst du die Arbeit, die nötig ist, um eine Frame-basierte Animation zu erstellen.
Bei der Frame-Animation zeichnen Animateure Einzelbilder und verändern sie nach und nach, wenn sich die Szene verändert, bis sie schließlich genug Bewegung zusammengetragen haben, um eine ganzheitliche Animation zu erstellen.
Dabei hilft oft die digitale Technik, denn die Künstler können ihre Objekte mit Computerzeichenprogrammen zeichnen, sodass sie die Ebenen manipulieren und die Frames nahtloser verändern können.
Skelettanimation ist eine weniger zeitaufwendige Technik. Mit Hilfe computergestützter Technik sind Animatoren heute in der Lage, einen skelettartigen Umriss des Objekts zu kreieren, das sie animieren wollen.
Danach können sie diese Software nutzen, um die verschiedenen Knochen ihres Skeletts zu bewegen und zu animieren und so eine 2D-Animation durch den Einsatz digitaler Software zu kreieren.
Wenn du schon immer mal mit deiner eigenen Form der Animation experimentieren wolltest, aber über die einfachen Klebezettel-Zeichnungen hinausgehen möchtest, kannst du dir unseren Kurs ‘Einführung in die Animation‘ ansehen.
Die digitale Kunst ist so weit fortgeschritten, dass sie nicht nur bei 2D-Animationen Halt macht. Künstler können heute mit Hilfe der Technologie komplette 3D-Szenen kreieren, die manchmal so realistisch sind, dass man nicht einmal merkt, dass es sich nicht um ein echtes Bild handelt.
Skelettbasierte Animation ermöglicht es Künstlern, 3D-Modelle und Skulpturen zu manipulieren und so ganze 3D-Animationen zu kreieren! Künstler nutzen Technologien wie CGI, um unglaublich realistische, hochauflösende und dreidimensionale Animationen in Filmen zu kreieren.
Diese Animationsarten entwickeln sich ständig weiter und es werden immer neue Formen von 3D-Animationen veröffentlicht. Filme wie ‘Avatar: The Way of Water’ definieren die Software, die zur Erstellung von 3D-Animationen verwendet wird, immer wieder neu.
Dieser Film allein zeigt, wie sehr sich die digitale Kunst weiterentwickeln kann, denn er führte ein neues System für die Gesichtsanimation ein! Wenn wir über die Entwicklung des Animationsfilms in den letzten Jahren nachdenken, wird deutlich, dass der Trend zu immer mehr 3D-Animationen geht.
Das ist eine Folge des ständigen technologischen Fortschritts, der diese digitale Kunstform zu einem unglaublich günstigen Medium für die Filmproduktion gemacht hat.
Die digitale Kunst hat eine reiche Geschichte, die es ihr ermöglicht hat, zu einem zentralen Bestandteil des Kunstschaffens im 21. Jahrhundert zu werden. Jahrhundert geworden ist. Sie hat sich im Laufe der Jahre verändert und weiterentwickelt und ist zu einer Kunstform geworden, die in vielen verschiedenen Formen in der heutigen Kunst zu finden ist.
Nach all dieser Entwicklung fragst du dich vielleicht, was es mit der digitalen Kunst heute auf sich hat. Es gibt so viele neue und interessante Technologien, über die man sich freuen kann. Viele Entdeckungen und Erfindungen verändern die Art und Weise, wie Künstler und Betrachter mit Kunst im 21. Jahrhundert umgehen.
Sehen wir uns also die neuesten Technologien an, die in der digitalen Kunst eingesetzt werden!
Sowohl Virtual Reality als auch Augmented Reality sind jüngste technologische Fortschritte, die die künstlerischen Ausdrucksmöglichkeiten erweitert haben.
Durch den Einsatz dieser Technologien können Künstler unglaublich eindringliche Erlebnisse für die Betrachter kreieren, die es dem Publikum ermöglichen, mit der Kunst in einem dreidimensionalen Raum zu interagieren.
Diese Medien werden als eine Art natürlicher Fortschritt in der Kunst angesehen, und es wird vorhergesagt, dass Künstlerinnen und Künstler weiterhin mit dieser Form experimentieren und diese Technologie in neue und kreative Bereiche vorantreiben werden.
Virtuelle Realität bedeutet, dass man mit einem Headset in eine neue Welt versetzt wird. Das bedeutet, dass Künstler/innen den dimensionalen Raum, den die Betrachter/innen durch diese Linse sehen, vollständig manipulieren können. Dadurch wird das Publikum komplett aus der Realität herausgerissen und in neue, imaginäre Welten transportiert.
Augmented Reality hingegen entführt das Publikum nicht aus der realen Welt. Stattdessen werden Technologie und visuelle Manipulation eingesetzt, um die Sicht des Publikums auf die Realität zu erweitern.
Damit kann der Künstler die Realität vollständig manipulieren und die Wahrnehmung des Zuschauers von der Welt und seiner Umgebung mit Hilfe digitaler Technologie herausfordern.
Hoffentlich werden Künstlerinnen und Künstler auch weiterhin neue Wege finden, um ihre digitale Kunst zu verbessern, indem sie diese neuen Technologien nutzen, die manchmal als die Zukunft der Kunst bezeichnet werden.
Eine neue und umstrittene Technologie in der Kunstwelt ist KI Kunst oder künstliche Intelligenz. KI-Kunst ist eine Art generative Kunst, bei der KI-Algorithmen eingesetzt werden, um neue Bilder und Designs zu erzeugen.
Diese Kunstform hat unendliche Möglichkeiten und kann auf so viele verschiedene Arten experimentiert werden, dass Künstler mit mechanischer und digitaler Technologie die Grenzen der Schöpfung erweitern können.
Allerdings ist KI ein polarisierendes Thema, denn es gibt Bedenken hinsichtlich der Legitimität und der künstlerischen Moral des Einsatzes dieser Technologie.
Da sich KI vollständig auf Computeralgorithmen stützt, wird die Hand der Künstler/innen irrelevant. Das könnte dazu führen, dass den digitalen Künstlern Chancen und Anerkennung genommen werden.
Obwohl es unbestreitbar ist, dass KI eine interessante Entwicklung im technologischen Bereich ist, ist ihre Rolle in der Kunstwelt noch ungewiss und höchst umstritten.
Motion Graphics haben sich vor allem im Filmbereich stark weiterentwickelt, da sie helfen, animierte Grafiken zu kreieren, die in Filmen, Videos und anderen Multimedia-Projekten verwendet werden können.
Eine Motion Graphic ist, vereinfacht gesagt, eine animierte Version eines Grafikdesigns.
Motion Graphics werden schon seit vielen Jahren in der Kunst eingesetzt. Aber erst mit der neuen Technologie ist dieses Medium populärer und effektiver geworden.
3D-Druck ist eine Idee, von der viele von uns schon gehört haben. Es ist eine unglaublich aufregende und viel diskutierte Perspektive, die die Art des Kunstmachens verändern kann.
In der Welt der digitalen Kunst ermöglicht es der 3D-Druck Kreativen, ihre Entwürfe in Skulpturen und Designs zu verwandeln, indem sie die Entwürfe, die sie digital formen, ausdrucken und in eine physische Struktur verwandeln.
Dies eröffnet Künstlern so viele Möglichkeiten und wird schnell zu einem zugänglichen und beliebten Mittel für die Kunst des 21. Jahrhunderts!
Deepfake ist aufgrund seiner kontroversen Natur ein viel diskutiertes Thema, da es Videomanipulationen ermöglicht, die die Identität einer Person verändern oder sogar stehlen können.
Deepfake, was so viel bedeutet wie “deep learning” und “fake”, kann extrem realistisch und schwer von der Realität zu unterscheiden sein. Deshalb wird diese Technologie seit ihrer Geburt in einem schlechten Licht verwendet und diskutiert.
Allerdings wird diese digitale Technologie in der Kunstwelt als Medium erkundet und stattdessen für den kreativen Ausdruck genutzt!
Die Verwendung von Deepfake in der Kunstwelt kann man daran erkennen, dass Künstler die Technologie nutzen, um das Publikum konzeptionell herauszufordern.
Das kann man in bestimmten Ausstellungen sehen, in denen Künstler Deepfake nutzen, um tote Künstler wieder zum Leben zu erwecken oder die Bilder berühmter Persönlichkeiten zu verkörpern und zu manipulieren.
Auch wenn Deepfake noch problematisch ist, finden Künstlerinnen und Künstler Wege, diese neue Technologie zu adaptieren, um mit ihrer digitalen Kunst anspruchsvolle Konzepte zu kreieren.
NFTs gelten als eine Form der Monetarisierung von Kunst in der modernen und digitalen Welt. NFTs beziehen sich auf “Non-Fungible Tokens”, das sind digitale Token, mit denen man digitales Eigentum an digitaler Kunst kaufen kann.
Der Erfolg der NFTs hat dazu beigetragen, viele Künstler/innen zu finanzieren, die vorher keine Möglichkeit hatten, ihre Kunst zu verkaufen. Jetzt verkaufen, tauschen und kreieren Künstler NFTs als Einnahmequelle und nutzen diesen neuen Trend, um ihre Kunstwerke mit dieser neuen digitalen Form der Währung zu Geld zu machen.
Obwohl manche Menschen NFTs als sinnlos ansehen, weil Menschen extreme Summen zahlen, um “Eigentum” an Bildern zu erlangen, auf die jeder im Internet zugreifen kann, finden einige Künstlerinnen und Künstler diesen modernen technologischen Fortschritt ziemlich überzeugend.
Viele Künstlerinnen und Künstler sehen NFTs als eine legitime und positive Möglichkeit, digitale Künstlerinnen und Künstler für ihre Arbeit zu bezahlen, und so ist sie zu einem sehr bedeutenden Aspekt der digitalen Kunstproduktion und des Verkaufs im 21. Jahrhundert geworden.
Die moderne Welt hat Künstlern durch den technologischen Fortschritt mehr Möglichkeiten gegeben, ihre Arbeit zu präsentieren.
Vor dem Internet konnten Kunstwerke nur persönlich besichtigt werden, was bedeutete, dass Künstler es schwer hatten, ihre Werke zu präsentieren. Heutzutage ist es für jeden einfach und kostenlos, seine Kunst mit anderen zu teilen.
Künstler können ihre Werke auf verschiedenen Social Media Plattformen oder sogar auf spezialisierten Kunstplattformen wie DeviantArt teilen.
Das bedeutet, dass Künstlerinnen und Künstler die Technologie nutzen können, um ihre Arbeit leichter zu teilen. Das ist ein bedeutender und hilfreicher Wandel in der Technologie, der digitalen Künstlern hilft, ihre Karriere zu verfolgen.
CGI war in den letzten Jahren ein wichtiger Bestandteil der Animation in Filmen. Diese Technologie entwickelt sich ständig weiter, was das Filmemachen noch fortschrittlicher und technologischer macht.
Die digitale Animation wurde durch die CGI-Technologie (Computer Generated Imagery) unterstützt, die sich jeden Tag weiterentwickelt und anpasst.
In den letzten Jahren hat sich CGI massiv weiterentwickelt und ist zu einem unglaublichen und bahnbrechenden Einsatz von Technologie in der Kunst geworden. Die CGI-Technologie ist inzwischen so hochwertig, dass sie nahtlos mit der Realität überblendet werden kann, so dass es schwer ist, sie von der Wirklichkeit zu unterscheiden.
Sieh dir mal ‘Avatar’ vs. ‘Avatar: The way of the water’ an, zwei CGI-Filme, die beide die letzten Grenzen der CGI in dem Zeitraum zeigen, in dem sie veröffentlicht wurden. Der erste ‘Avatar’ war bahnbrechend, da er die neue CGI-Technologie nutzte, um Schauspieler mit Hilfe von Performance Capture zu animieren.
Diese CGI-Technologie wurde in “Avatar: The way of the water” sogar noch weiter ausgebaut, als man eine Möglichkeit erfand, Unterwasser-Performance Capture zu verwenden – eine bahnbrechende Leistung in der Technologie der visuellen Effekte, die zeigt, wie sich CGI im Laufe der Jahre weiterentwickelt hat.
Nachdem wir alle in der Vergangenheit und der Gegenwart der digitalen Kunst gefangen sind, gibt es nur noch einen Ort, an den wir gehen können – in die Zukunft.
Wir haben bereits eine Ahnung davon, wohin sich die Kunst entwickeln könnte, wenn wir uns auf ein neues technologisches Zeitalter zubewegen, und das, was die Menschen sagen, wird noch kommen.
Was ist bereits in vollem Gange? Wie werden sich die Technologien weiterentwickeln?
Es gibt viele neue und aufregende Entwicklungen in der digitalen Kunst, auf die du dich freuen kannst. Wie wir jetzt wissen, hat sich die digitale Kunst auf viele verschiedene Arten weiterentwickelt. In welche Richtung bewegen wir uns jetzt?
Es gibt ein paar Hauptkategorien der Veränderung, nämlich wie Kunst angesehen, verkauft und kreiert wird. Schauen wir uns an, wie sich das ändern wird.
Wie wir gesehen haben, hat sich die digitale Kunst in der Kunstwelt zu einer äußerst normalen Praxis entwickelt. Das deutet darauf hin, dass sich dieser Kunsttrend einfach linear fortsetzen wird, wobei die digitale Kunst noch zugänglicher und unter Künstlern noch verbreiteter wird.
Als Folge davon wird sich die Kunst immer mehr in das digitale Medium verlagern. Das kann viele verschiedene Dinge bedeuten, unter anderem eine Veränderung der Art und Weise, wie wir Künstler sehen und wie wir ihre Kunstwerke sehen.
Zunächst einmal wird der Anstieg des digitalen Kunstschaffens zu einem Anstieg der Nachfrage nach digitalen Künstlern führen, was bedeutet, dass digitale Kunstschaffende zu kritischeren und wichtigeren Akteuren in der Kunstwelt werden.
Die digitale Kunst könnte sogar als primäre Kunstform bekannt werden, da wir uns immer mehr in Richtung einer vollständigen technologischen Beteiligung bewegen.
Im physikalischen Sinne wird sich die Art und Weise, wie das Publikum Kunst sieht, weiter verändern, wenn Simulation und immersive Kunst weiter voranschreiten.
Die digitale Technologie kreiert viele aufregende neue Perspektiven für Kunstliebhaber, da es jetzt mehr Möglichkeiten gibt, auf Kunst zuzugreifen, indem man Online-Plattformen nutzt, um Kreationen zu betrachten, anstatt Kunst ausschließlich in Galerien zu besuchen.
Außerdem verändert sich der Galerieraum selbst und verlangt nach mehr interaktiven Werken, die durch Technologie unterstützt werden. Künstlerinnen und Künstler haben bereits damit begonnen, VR und AR in den Galerieraum einzubauen, aber wer weiß, was für coole neue Möglichkeiten der Kunstpräsentation sich mit der Zeit ergeben?
Die Möglichkeiten sind grenzenlos.
Der Kunstmarkt hat sich im Laufe der Jahre drastisch verändert, denn es wurden neue digitale Verkaufs- und Handelswege eingeführt! So wie sich viel Kunst in Richtung Digitalisierung bewegt, so bewegt sich auch der Markt.
Das zeigt sich an der Begeisterung und Popularisierung des Kunsthandels über NFTs, einem unvorhersehbaren Trend, der in Zukunft entweder weiter wachsen oder zusammenbrechen könnte.
Außerdem hat die digitale Technologie es Künstlern ermöglicht, ihre Werke auf Social-Media-Plattformen zu präsentieren, was bedeutet, dass Künstler ihre Kunst digital über ihre eigenen Online-Einnahmequellen verkaufen können.
Es gibt viele Möglichkeiten, wie diese Techniken weiter wachsen können. Wer weiß, welche neuen Technologien eingeführt werden, die Künstlern helfen, Kunst digital zu verkaufen? Der Kunstmarkt hat sich auch nach COVID als äußerst widerstandsfähig und stabil erwiesen.
Das lässt für die Zukunft des Kunsthandels eigentlich nur positive Veränderungen erwarten.
Nachdem wir über die Geschichte der Kunst nachgedacht haben, ist klar, dass Künstler/innen äußerst anpassungsfähig und bereit sind, sich auf Veränderungen einzulassen. Diese kreative Natur hat sich bereits bei der Einbindung digitaler Technologien in die Kunstpraxis bewährt und wird sich hoffentlich weiter entfalten.
Viele stellen sogar die Hypothese auf, dass die digitale Kunst die neue Hauptquelle des Kunstschaffens sein wird, indem sie die traditionellen Medien ablöst und den Kunstraum völlig neu erfindet.
Da sich der digitale Kunstraum ständig verändert, gibt es viele Dinge, auf die man sich freuen kann. Es wird besonders interessant sein, sich anzusehen, wie sich immersive Technologien wie VR und AR weiterentwickeln.
Das Experimentieren und Verwischen von Kunst und Realität durch den Einsatz dieser Technologie könnte verrückte und verblüffende Ergebnisse hervorbringen.
Wir werden einfach abwarten müssen.
Die Zukunft der Kunst ist eine unglaublich aufregende Aussicht, aber sie wird nur sichtbar, wenn man versteht, welche Technologie wir schon heute haben.
Es ist unmöglich, in die Zukunft zu sehen, also wird jede Zukunft, die wir begreifen können, eine Erweiterung dessen sein, was wir bereits im Raum der digitalen Kunst wachsen sehen.
Das bedeutet, dass es zusätzlich zu diesen unglaublich aufregenden zukünftigen Bemühungen in Bereichen wie VR, AR, CGI und KI viele verrückte und unvorhersehbare neue Kreationen geben wird, die in naher Zukunft entstehen werden.
Wir werden einfach abwarten müssen, um sie zu sehen. Oder vielleicht experimentieren wir sogar selbst mit unseren eigenen digitalen Kunsttechnologien!
Digitale Kunst war im Laufe der Geschichte immer ein wichtiges Element der Kunst und wird es auch in Zukunft bleiben. Die Kunst hat sich im Laufe der Jahre viel verändert, wobei eine der größten und beständigsten Veränderungen die Einführung der digitalen Technologie ist.
Die Idee, Kunst und Technologie zu vermischen, begann schon vor vielen Jahren mit Dingen wie Kameras oder mechanischen Geräten wie AARON, aber seither ist sie ein fester Bestandteil der Kunstwelt geworden.
Die digitale Kunst ist zu einer der beliebtesten Kunstformen geworden, und nicht nur das, sie ist in so vielen verschiedenen Räumen und Praktiken präsent.
Überall wird sie verwendet, vom Film bis zu deinem eigenen Schlafzimmer! Diese Popularisierung der digitalen Kunst macht es umso spannender, einen Blick auf die neuesten Technologien zu werfen, die in der digitalen Kunst eingesetzt werden.
Auch wenn du selbst kein digitaler Künstler bist, ist es doch so interessant, sich die unglaublichen neuen Technologien wie AR, VR und KI anzusehen, die heute in der Kunstwelt eingesetzt werden. Jetzt ist es an der Zeit, sich die Zukunft der Kunst anzusehen. Ich bin mir sicher, dass es noch viele weitere unglaubliche neue Technologien geben wird.
Wenn du dich für digitale Kunst interessierst, dann hat 21 Draw eine große Auswahl an Kursen. Von Figurdesign bis Belichtung und Schattierung, von Zeichnen von Superhelden bis hin zu Zeichnen von Kreaturen, wir haben für jeden einen Kurs. Du kannst dir alle unsere Zeichenkurse hier ansehen.
Emma Tibbey
Emma ist eine australische freiberufliche Autorin, die gerne informative und interessante Texte verfasst, die ihre kreativen Leidenschaften zum Ausdruck bringen. Emma studiert derzeit Bildende Kunst an der Queensland University of Technology.
Verschenke eine GRATIS.
Los geht's
Geschenkkarten