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Ryan
La perspective en art, c’est comme une astuce magique des artistes pour donner de la profondeur à leurs dessins sur des surfaces plates comme une toile ou un papier.
Cela rend les images plus réalistes, comme si elles s’éloignaient dans l’espace.
Par exemple, dans “La Cène” de Léonard de Vinci, les lignes des murs et du plafond se rejoignent derrière la tête du Christ, créant un effet de distance et de profondeur.
La perspective en art est un outil puissant pour créer l’illusion de la réalité.
Dans cet article, nous explorerons ce concept, y compris ses éléments, ses types et les erreurs courantes des artistes.
Sur la base de cette compréhension de la perspective, plongeons maintenant dans l’histoire de la perspective.
La technique que nous reconnaissons aujourd’hui comme la perspective a été largement formalisée lors de la Renaissance italienne au début du XVe siècle.
L’architecte Filippo Brunelleschi a joué un rôle clé dans la redécouverte des lois mathématiques de la perspective, y compris le concept central du point de fuite.
Les artistes, comme Masaccio, ont rapidement appliqué ces principes à la peinture, créant ainsi une illusion de profondeur révolutionnaire, comme on peut le voir dans sa fresque “La Sainte Trinité”.
Cependant, à mesure que l’art évoluait, l’utilisation de la perspective évoluait également.
À la fin du XIXe siècle, des artistes comme Paul Cézanne ont commencé à remettre en question les normes traditionnelles en optant pour une approche plus plate de l’espace pictural de la Renaissance conventionnelle. Cela a marqué un changement significatif par rapport à la perspective linéaire, ouvrant la voie au cubisme et à d’autres mouvements artistiques modernes du XXe siècle.
Pour approfondir la question de la perspective dans l’art, explorons les éléments clés qui peuvent être manipulés pour créer des illusions convaincantes.
La ligne d’horizon, également appelée ligne de vue, représente le point le plus éloigné de la vue où le ciel rencontre la terre ou l’eau, formant une limite. Cette ligne sert de point de référence, indiquant le niveau des yeux du spectateur lorsqu’il observe un objet, une scène intérieure ou extérieure.
La position de la ligne d’horizon peut considérablement altérer la perception de la scène par le spectateur. Une ligne d’horizon élevée peut donner l’impression au spectateur de regarder vers le bas sur une scène, tandis qu’une ligne d’horizon basse peut donner l’impression de regarder vers le haut.
Comprendre et utiliser efficacement la ligne d’horizon est essentiel pour créer des dessins réalistes, proportionnés, avec de la profondeur et de la dimension.
Le point de fuite est l’endroit de la ligne d’horizon où toutes les lignes parallèles semblent converger, disparaissant ainsi de la vue de l’observateur.
À mesure que les objets s’éloignent, ils semblent diminuer de taille, finissant par sembler se rejoindre à ce point de fuite. Il s’agit d’un phénomène naturel que nos yeux perçoivent dans la vraie vie, reproduit en art pour créer une sensation convaincante de profondeur spatiale et de réalisme.
Si vous imaginez une route droite s’étendant à perte de vue, les côtés de la route semblent se rapprocher à mesure qu’ils s’éloignent d’un point de vue donné. Finalement, ils semblent se rejoindre en un seul point éloigné – c’est le point de fuite.
En utilisant ces éléments, les artistes donnent l’illusion de la profondeur et de réalisme dans leurs œuvres.
En dessin en perspective, les lignes orthogonales sont comme des lignes imaginaires qui s’étirent vers un point lointain sur l’horizon. Elles sont super importantes pour donner de la profondeur et du volume à une image qui est normalement plate.
Orthogonal signifie “à angles droits”, c’est ainsi que ces lignes se rapportent au plan de l’image dans la perspective à un point de fuite.
Dans une perspective à deux points de fuite, les lignes orthogonales sont à angle droit. Bien qu’elles ne soient pas toujours visibles dans l’œuvre finale, ces lignes guident l’artiste pour représenter avec précision les relations spatiales et maintenir une perspective réaliste.
Le “plan de sol”, c’est la surface plate en dessous de l’horizon, qui peut représenter la terre ou l’eau. C’est comme la base de tout dans une image en perspective.
Si cette surface est inclinée ou bosselée, les lignes parallèles dessinées dessus vont converger vers un point sur l’horizon, mais ce point ne sera pas au milieu, ça va donner un effet de relief et de profondeur.
Les lignes convergentes en art de la perspective sont comme des lignes imaginaires qui semblent se rejoindre au loin, créant l’illusion de profondeur sur une surface plate. Ce phénomène, connu sous le nom de point de fuite, est un concept fondamental en dessin en perspective.
Par exemple, des lignes parallèles comme celles des rails de chemin de fer semblent converger au loin. Les lignes convergentes donnent une impression de profondeur, de distance et de dynamisme, rendant les images plates plus tridimensionnelles et captivantes pour le spectateur.
Maintenant que nous avons compris les éléments de la perspective, plongeons plus profondément dans les différents types de perspectives en art. Cette section vous guidera à travers les différentes formes et comment elles contribuent chacune à créer de la profondeur et du réalisme dans les œuvres d’art.
La perspective linéaire est une technique artistique qui utilise des principes mathématiques pour créer une représentation réaliste de l’espace, de la profondeur et de l’échelle dans une œuvre d’art. Elle repose sur la compréhension de la manière dont les objets s’éloignent dans le lointain lorsqu’ils sont vus depuis un seul point, appelé point de fuite.
Les éléments essentiels pour créer une perspective linéaire comprennent :
La perspective linéaire peut être classée en une perspective à un point de fuite, à deux points de fuite ou à trois points de fuite, en fonction du nombre de points de fuite dans la composition.
La perspective linéaire à un point de fuite est une technique artistique qui utilise un seul point de fuite sur la ligne d’horizon pour représenter la profondeur et la distance. Elle est généralement utilisée pour des compositions vues de face, où toutes les lignes parallèles semblent converger vers ce point solitaire.
Imaginez une longue route droite dont les côtés semblent se rejoindre à un endroit éloigné à l’horizon. De la même manière, lorsqu’on regarde un objet ou une scène directement, les côtés semblent se retirer vers un seul point de fuite, créant ainsi une illusion de profondeur.
Cette technique permet aux artistes de représenter la profondeur spatiale et le réalisme dans leur travail, créant des visuels captivants qui semblent s’étendre au-delà des limites de la toile plate.
En perspective à deux points de fuite, un objet est rendu en utilisant deux points de fuite sur la ligne d’horizon. Cette perspective est couramment appliquée lorsque l’objet ou la scène est vu sous un angle plutôt que directement de face, ce qui entraîne deux ensembles de lignes qui s’éloignent vers deux points différents sur l’horizon.
Par exemple, si vous dessinez un bâtiment depuis son coin, vous voyez deux faces de la structure. Les arêtes de ces côtés, représentées par des lignes dans votre dessin, s’étendent vers et convergent vers les deux points de fuite différents.
Cela crée une représentation réaliste de la structure dimensionnelle du bâtiment, capturant comment sa taille semble diminuer à mesure qu’il s’éloigne du spectateur.
Cette méthode s’avère essentielle pour représenter avec précision les relations spatiales au sein d’une scène, ajoutant de la profondeur et du réalisme à l’œuvre d’art.
La perspective à trois points de fuite utilise trois points de fuite pour représenter des objets ou des scènes avec une profondeur ou une hauteur notable.
Cette technique est couramment utilisée lors de l’observation de structures imposantes telles que des gratte-ciel ou des canyons profonds, où un troisième point de fuite apparaît au-dessus ou en dessous de la ligne d’horizon.
Par exemple, essayez de dessiner un gratte-ciel imposant depuis une vue en contre-plongée. Vous aurez deux points de fuite sur l’horizon, où les côtés du bâtiment semblent converger, et un troisième point supplémentaire au-dessus, où les lignes verticales du gratte-ciel semblent se rejoindre.
Cette perspective donne une sensation d’échelle et de profondeur, transmettant la hauteur immense du gratte-ciel.
La perspective aérienne, ou perspective atmosphérique, fait référence à la manière dont l’atmosphère influence la perception visuelle d’un objet vu de loin.
Cette technique imite la façon dont la lumière se comporte dans la vie réelle, en réduisant l’intensité des objets lointains et la saturation des couleurs pour simuler la profondeur.
À mesure que la distance entre un observateur et un objet augmente, le contraste de l’objet par rapport à son arrière-plan et le contraste de ses détails diminuent.
De plus, les couleurs des objets éloignés perdent également de la saturation et ont tendance à se mélanger à la couleur de l’arrière-plan, prenant généralement une teinte bleutée.
Cela est dû à la diffusion de la lumière de courte longueur d’onde dans l’atmosphère, comme la lumière bleue et violette. Les objets éloignés peuvent adopter une teinte rougeâtre dans certaines conditions, comme au lever ou au coucher du soleil.
La perspective aérienne est un outil essentiel dans l’art, en particulier dans la peinture de paysage, pour représenter avec précision la profondeur et la distance.
La perspective curviligne, ou perspective à cinq points, est une méthode de dessin qui crée une vue grand angle de type « oeil de poisson » d’une scène sur une surface plane.
Elle utilise des lignes courbes et des lignes convergentes droites pour imiter l’image sur la rétine, offrant une représentation plus précise de l’espace visuel que la perspective linéaire traditionnelle, qui n’utilise que des lignes droites et peut sembler déformée sur les bords.
Cette technique consiste à placer quatre points de fuite autour d’un cercle, avec un cinquième au centre. Toutes les lignes verticales se plient vers les points supérieur et inférieur, les lignes horizontales se plient vers les points gauche et droit, et les lignes allant dans le plan de l’image vont droit vers le point central.
Un exemple de cette technique est le « Portrait de l’artiste dans un miroir convexe » de Parmigianino, où la réflexion de l’artiste et la pièce environnante sont représentées dans une image déformée et sphérique, capturant un champ de vision plus large.
Dessiner en perspective est une compétence qui nécessite de la compréhension et de la pratique. Cependant, même les artistes expérimentés peuvent parfois faire des erreurs. Voici quelques erreurs courantes que les artistes commettent souvent lorsqu’ils dessinent en perspective :
Erreurs accidentelles (type I) : Ce sont des erreurs involontaires qui ne suivent aucun motif logique. Par exemple, une ligne de fuite qui dévie involontairement à un angle peut être considérée comme une erreur accidentelle.
Erreurs ad hoc (type II) : Ce sont des erreurs conscientes commises pour des raisons pratiques. Par exemple, en dessinant un sol pavé interrompu par des marches, un artiste pourrait modifier les lignes de fuite aux marches pour rendre l’erreur moins visible. Ces erreurs sont compréhensibles car elles suivent une logique pratique.
Erreurs systématiques (type III) : Ces erreurs font partie d’un réseau cohérent basé sur certaines règles de construction ou principes d’organisation. Par exemple, dans le tableau “Madone et Enfant” de Fra Filippo Lippi, les lignes de fuite convergent au niveau des yeux de la Vierge, ce qui pourrait être interprété comme une expression artistique de la vision binoculaire.
Raccourci incorrect : Le raccourci est une technique qui crée l’illusion d’un objet reculant fortement dans la distance ou l’arrière-plan. Des erreurs dans le raccourci peuvent entraîner une distorsion des objets. Par exemple, si l’espacement entre les lignes horizontales ne diminue pas assez rapidement à mesure qu’elles se rapprochent du point de fuite, l’image résultante peut paraître déformée.
Raccourci excessif : Cela se produit lorsque les espaces entre les lignes horizontales diminuent trop rapidement à mesure qu’elles se rapprochent de la ligne de fuite, résultant en un réseau de diagonales convexes.
La perspective en art est plus qu’une simple technique. C’est un langage qui communique la profondeur, l’espace et le réalisme dans un médium bidimensionnel.
N’oubliez pas que la maîtrise de la perspective est un voyage.
Pratiquez, observez, et ne vous découragez pas face aux erreurs, car elles sont autant de marches vers l’amélioration. Une compréhension plus profonde de la perspective peut enrichir votre appréciation des œuvres d’art et du talent qui les sous-tend.
Gardez la perspective à l’esprit, que vous créiez de l’art ou que vous l’admiriez simplement. Elle est le lien entre le spectateur, l’artiste et l’œuvre d’art, transformant lignes et couleurs en scènes et histoires qui prennent vie.
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Ryan
Achei interessante e uma nomenclatura que quaLquer um entende. Fiquei curiosa por ver mais e mais obras e me dedicar a Arte. Irei ver as obras citadas. Amei tudo que escreveu.
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