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Ryan
Las animaciones pueden ser un medio de comunicación poderoso y atractivo cuando están bien hechas. Para crear animaciones que tengan un impacto duradero en tu audiencia, debes conocer los 12 principios de la animación.
Los 12 principios de la animación orientan y ayudan a los animadores para crear movimientos fluidos y realistas.
Estos principios esenciales fueron resaltados por vez primera por los animadores de Disney Ollie Johnston y Frank Thomas en su libro, The Illusion of Life: Disney Animation en 1981. Estas técnicas son esenciales tanto para la animación tradicional a mano como para la moderna animación 3D por ordenador.
Si eres un animador principiante, dominar estos conceptos básicos puede ayudarte a crear personajes cautivadores que capten la atención del público.
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En este post, revisaremos cada principio en detalle y daremos ejemplos que te enseñen cómo funcionan en la práctica.
El ritmo y el espaciamiento son dos principios básicos de la animación que contribuyen a darle a tu animación sus cualidades naturales. Ambos son los únicos conceptos de los 12 principios de la animación que crean la sensación de movimiento.
El ritmo se refiere al número de dibujos o fotogramas usados por segundo para crear un movimiento sutil. Puede ser modificado variando los fotogramas por segundo (FPS) utilizados en la escena. Una menor cantidad de fotogramas por segundo producirá un movimiento más rápido, mientras que una mayor cantidad de fotogramas por segundo creará un movimiento más lento.
El espaciamiento es cuán alejadas se encuentran dos ilustraciones dentro de un lapso de tiempo determinado, conocido normalmente como “intermedios”. Un espaciamiento más amplio da la impresión de un movimiento rápido y uno más reducido da la impresión de un movimiento gradual.
Mediante la combinación de las técnicas del ritmo y el espaciamiento es posible crear un movimiento realista que atienda a las leyes de la física. Por ejemplo, un movimiento lento puede crear la sensación de pesadez.
Por el contrario, un movimiento acelerado puede sugerir una sensación de ligereza o agilidad. Esto permite a los animadores crear movimientos que luzcan creíbles y convincentes desde el primero hasta el último fotograma.
Aplastar y estirar brinda un sentido de peso y flexibilidad al dibujo u objeto generado por ordenador, permitiendo que se muevan de forma realista.
Un objeto se puede estirar y encoger de acuerdo con la fuerza que se le aplique, como cuando un personaje salta, o un balón golpea el piso. Esto además contribuye a que una animación luzca dinámica y activa en lugar de estática y sin vida.
Cuando se utiliza el aplastamiento y el estiramiento, es importante recordar que el volumen de un objeto debe permanecer constante cuando aparezca aplastado o estirado.
Cuando un objeto es aplastado o estirado por la fuerza, su forma general debe permanecer reconocible, pero el ancho y la profundidad deben cambiar en consecuencia.
Un gran ejemplo de cómo funciona esto de aplastar y estirar es con un balón que rebota. A medida que el balón comienza a caer, se estirará antes del impacto como si estuviera siendo halado hacia abajo por la gravedad. Tan pronto como toque el piso, se comprimirá antes de estirarse y volver a elevarse en el aire.
Aplastar y estirar contribuyen a crear una sensación de velocidad y peso para este tipo de movimiento que de otra manera sería difícil de captar sin esta técnica de animación.
La anticipación ayuda a crear tensión dándole a la audiencia tiempo para reaccionar y prepararse para la animación que está a punto de ocurrir. Implica incluir una pequeña pausa o movimiento antes de que la animación principal ocurra.
Piensa en un jugador de golf moviendo su palo hacia adelante y hacia atrás antes de golpear la bola o en un bailarín que se agacha antes de saltar en el aire.
También resulta útil para acciones menos físicas, como un personaje mirando fuera de la pantalla anticipando la llegada de alguien o divisando un objeto que está a punto de recoger.
La anticipación contribuye a hacer que la animación luzca más realista y facilita al público la comprensión de lo que ocurre en la escena.
Mediante la anticipación, los animadores pueden crear escenas cómicas o dramáticas que parezcan creíbles y cercanas. Además, agrega una capa adicional de entretenimiento que puede contribuir a mantener a la audiencia enganchada e interesada en la animación.
Los principios de animación “acelerar” y “ralentizar” son esenciales cuando se animan o crean elementos visuales que representan movimiento. Este concepto permite al espectador entender que los objetos y personajes necesitan tiempo para acelerar y desacelerar, lo cual crea una apariencia más realista en la animación.
Los efectos de aceleración y ralentización son creados dibujando fotogramas adicionales cerca del inicio y el fin de una acción para darle un comienzo y un final paulatino. Esto es importante porque el movimiento en el mundo real siempre empieza y termina de forma lenta en lugar de abrupta.
Este concepto es especialmente útil cuando los personajes animados se mueven entre dos poses extremas, como estar sentado y de pie.
El concepto aplica para cualquier otro objeto en movimiento que aparezca en una escena animada. Por ejemplo, carros que disminuyen la velocidad o desaceleran cuando han llegado a su destino o pájaros aleteando sus alas lentamente hasta que alcanzan su velocidad.
Al utilizar el principio de animación de “acelerar” y “ralentizar”, los animadores pueden crear movimientos más naturales que parezcan reales y creíbles.
La secuencia continua y la acción superpuesta son técnicas de animación que enfatizan movimiento, impulso e inercia.
La secuencia continua se refiere a la noción de que cuando el personaje se detiene, distintas partes del cuerpo seguirán moviéndose antes de asentarse en sus posiciones finales de descanso. Esto puede incluir las manos, los brazos, la ropa e incluso el cabello.
Por ejemplo, cuando una persona salta en el aire, puedes ver la ropa sobre su cuerpo, el cabello y otros accesorios arrastrándose detrás de ellos cuando desaceleran.
La acción superpuesta es muy parecida conceptualmente pero se ejecuta de otra manera. En lugar de concentrarte en el impulso en general como ocurre en la secuencia continua, el principio comprende la forma en que las partes separadas del cuerpo se mueven respecto de las otras a lo largo del tiempo.
Esto implica que las distintas articulaciones o áreas del cuerpo de un personaje se moverán y dejarán de hacerlo a distintas velocidades –como cuando saludan o hacen gestos exagerados con los brazos o piernas.
Un ejemplo podría ser cuando un personaje levanta un brazo sobre su cabeza: El hombre se mueve primero, seguido por el brazo que se alza y finalmente, le sigue el codo como si se rezagara antes de asentarse en su posición natural estática.
Ambos principios pueden combinarse para animaciones más complejas, como correr con los brazos balanceándose hacia adelante y hacia atrás mientras la ropa ondea detrás de ellos. Esto crea una escena más detallada y realista que puede contribuir a atraer espectadores a las historias que se cuentan mediante la animación.
Los arcos son uno de los principios fundamentales de la animación. Este principio explica que los objetos, los personajes y las criaturas se mueven en arcos naturales en lugar de líneas rectas.
Todos los seres vivos tienen articulaciones, músculos y otras partes del cuerpo que les permiten doblarse y flexionarse. Cuando se mueven, lo hacen en curvas en lugar de líneas rectas rígidas. Por lo tanto, utilizar arcos en animación le agrega una sensación de realismo a tu movimiento, haciendo que luzca más natural.
A medida que la velocidad y el impulso aumentan, los arcos tienden a aplanarse hacia adelante y a ensancharse y a volverse más exagerados al girar.
Por ejemplo, cuando animas a una persona corriendo, sus brazos deberían balancearse en un arco fluido desde adelante hacia atrás en lugar de mantener nivelados con el torso durante el movimiento. Esto crea movimientos más suaves y añade un mayor interés visual que los movimientos lineales constantes.
En general, los arcos son un importante principio de animación que deben tenerse en cuenta cuando se anima cualquier movimiento.
La exageración amplía ciertos aspectos del movimiento, como su tamaño, forma y ritmo. Puede resaltar o enfatizar ciertas características de la acción brindando un mayor atractivo y énfasis a los movimientos deseados.
En su definición más básica, la exageración puede crear movimientos más extremos a como serían en realidad. Esto contribuye a agregar energía y entusiasmo al movimiento para un gran impacto.
Sin embargo, la exageración física no es la única forma en que puede usarse. Dependiendo del tipo de sensación que pretendes transmitir, también puedes exagerar cambiando el ritmo o el espacio de la acción.
Es importante señalar que la exageración no es solo una fórmula utilizada en animaciones caricaturescas para el efecto cómico y movimientos atractivos. Además puede aplicarse con mesura en producciones más realistas, permitiendo a los animadores mejorar sus movimientos sin sacrificar el realismo.
El dibujo sólido implica crear un dibujo preciso en términos del volumen, el peso, el equilibrio y la anatomía en una pose.
Para crear un personaje tridimensional creíble, un animador debe pensar en la profundidad y entender cómo se va a mover e interactuar el cuerpo del personaje con su entorno. También deben tener en cuenta la postura del cuerpo del personaje para garantizar el equilibrio y peso correctos.
Al entender las bases de las formas 3D, la luz, la sombra y la anatomía, pueden diseñar personajes con movimientos y emociones realistas. También implica tomar clases de arte o hacer bocetos reales para entender mejor estos principios.
Nuestros cursos “Fundamentos del dibujo” y “Dibujo de figuras para principiantes ” pueden ayudarte a desarrollar estas habilidades.
Los animadores deben evitar lo “idéntico”, que es crear una pose idéntica y simétrica al diseñar personajes. Por ejemplo, las manos en la cadera o en los bolsillos pueden producir una pose poco atractiva que carezca de interés.
El atractivo es un principio importante de la animación que garantiza la conexión de los espectadores con los personajes y su historia. Puede lograrse a través de varios aspectos del diseño del personaje, desde los rasgos faciales hasta los atributos físicos y los movimientos.
Mediante la exageración de ciertas características, como una mandíbula prominente o unos ojos infantiles, los animadores pueden crear un diseño más particular que llame la atención de los espectadores. Además, el atractivo puede lograrse enfatizando el lenguaje corporal y los movimientos, ya que esto contribuye a darle vida a la personalidad del personaje de una forma en la que los espectadores puedan relacionarse con ella.
La relevancia del atractivo no aplica solamente para los protagonistas de la animación, sino que también es importante para que los villanos se conviertan en antagonistas memorables. Los espectadores deben entender por qué el villano es así y empatizar con él. Incluso si han sido concebidos para ser villanos, aun así debe haber cierta conexión con los espectadores para que puedan recordarlos más fácilmente.
En resumen, el atractivo es un aspecto esencial de la animación que contribuye a crear personajes memorables con los que el público puede conectar o al menos recordar por un largo tiempo luego de haberlos visto.
La acción directa y pose a pose son dos enfoques distintos de crear una animación. Cada una tiene sus ventajas y desventajas.
La acción directa es un enfoque más espontáneo y lineal donde el animador dibuja un fotograma detrás del otro en una secuencia ininterrumpida. Esto le permite tener una acción rápida y fluida en la animación a medida que avanza.
La parte negativa de este enfoque es que puede ser más difícil de ajustar durante el proceso de animación si hace falta hacer cambios o si algo debe arreglarse. Dicho esto, cuando se utiliza correctamente, pueda crear un movimiento genial a lo largo de la animación.
Por otro lado, el pose a pose requiere un enfoque más sistemático en el cual solo las poses esenciales que cuenten la historia con precisión serán animadas.
Esto permite simplificar el trabajo y garantiza proporciones y ritmo apropiados antes de agregar fotogramas adicionales después. Es genial para las escenas de ritmo lento o aquellas con contenido emotivo, ya que le brinda más tiempo a los animadores para concentrarse en las expresiones faciales y el lenguaje corporal.
La acción directa y pose a pose pueden ser utilizadas conjuntamente para un efecto óptimo. Al usar ambos enfoques al mismo tiempo, los animadores tienen mayor control de la calidad de sus movimientos.
La acción secundaria se refiere a las acciones que apoyan la acción principal en una escena. Normalmente, se trata de pequeños gestos, movimientos o expresiones que refuerzan la acción principal y le agregan vida a la escena.
Es importante asegurarse de que las acciones secundarias no desvíen la atención de la acción principal, sino que la resalten. Por ejemplo, si un personaje va caminando por la calle, la acción principal será la caminata, con cualquier detalle adicional como las expresiones faciales o el movimiento de las manos será considerado como una acción secundaria.
Sin embargo, estos pequeños matices deben utilizarse con moderación y ser colocados solo al princpio y al final del movimiento para un efecto superior.
Además, es importante notar cómo las acciones secundarias aparecen mediante el estudio de ejemplos de la vida real, como la forma en que las personas mueven sus brazos cuando caminan normalmente. Al hacerlo, los animadores pueden asegurarse de que las acciones secundarias mejoren la acción principal, en lugar de perjudicarla.
La puesta en escena es una parte esencial de la animación e implica ubicar cuidadosamente a los personajes, el paisaje y los ángulos de la cámara para crear una historia visual diferente. Se refiere a la forma en que montas tu escena para que transmita su sentido de una forma clara y efectiva.
La clave está en concentrarse en lo que quieres que el público entienda al ver tu animación, para así evitar detalles innecesarios.
Una toma bien montada le permite al espectador seguir la acción fácilmente y entender rápidamente su mensaje. Además, asegúrate de que los elementos del fondo estén ubicados de forma que contribuyan en lugar de perjudicar a la acción principal que se desarrolla dentro del fotograma.
Sí, una persona puede crear un animé. Para hacerlo necesitas una gran cantidad de tiempo, dedicación, creatividad y trabajo duro. Para producir una animación exitosa, debes contar con ciertas habilidades, como son el dibujo, el diseño de personajes, el desarrollo de líneas narrativas y animar todo el corto.
Deben entender también las técnicas incluidas en la producción de una animación, como son el dibujo de fotograma por fotograma, los gráficos generados por ordenador y la composición.
Además de estas bases, deben tener los programas y las herramientas necesarias para combinar todos estos elementos en una obra de arte terminada.
Cuando se crea un animé, es esencial conocer las bases de la animación, como son los principios del movimiento, ritmo y composición. Nuestro curso “Introducción a la Animación” puede darte un buen comienzo en la animación.
Cuando se habla de animación, la vieja discusión entre el 3D y el 2D nunca termina.
Para algunos, la animación en 3D es más difícil debido a su naturaleza más intrincada y compleja. Para crear animaciones 3D, un animador debe ser muy hábil en gráficos computarizados y estar familiarizado con los paquetes de programas como Maya y Autodesk 3DS Max.
Otros creen que la animación en 2D puede ser tan complicada como la animación en 3D ya que requiere un toque artístico y se basa mucho más en las habilidades para dibujar del animador y en su sentido de creatividad. Dado que cada fotograma debe ser dibujado y manipulado por separado, puede llevar mucho más tiempo que la animación en 3D.
En conclusión, ambos tipos de animación implican retos distintos que deben ser superados para tener éxito. Depende del tipo de proyecto que planeas hacer y de tus habilidades.
Si eres nuevo en animación, esperamos que este post te haya servido como una introducción útil sobre los 12 principios.
Son las directrices fundamentales que todo artista debe conocer para crear animaciones exitosas. Al seguir estos principios, podrás crear personajes y escenas que sean realistas y cautivadoras.
A medida que te familiarices con los principios, desarrollarás tu propio estilo y encontrarás otras maneras de aplicarlos. Así que tómate el tiempo para aprender animación y sigue practicando.
Puedes buscar la guía de Tom Bancroft a través de nuestro curso “Introducción a la Animación.” En este curso, él explica los 12 principios de la animación en detalle y el proceso para crear animaciones impresionantes.
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Ryan
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