Tauche ein in die Welt der freiberuflichen Illustration mit Maria Lia Malandrino

Hast du dich jemals gefragt, was es braucht, um in der Branche erfolgreich zu sein? Diese Woche hatten wir das Vergnügen, unsere großartige Künstlerin Maria Lia Malandrino zu interviewen und alles über ihren Weg als Künstlerin zu erfahren!

Wenn du also lernen willst, wie man Illustrator wird, lies weiter.

Was hat dein Interesse an der Illustration geweckt? 

Es gibt einen Comic, der 2001 herauskam, als ich 11 Jahre alt war. Er heißt W.I.T.C.H. und ist von einem italienischen Autor namens Alessandro Barbucci.

Es geht um fünf Mädchen, die herausfinden, dass sie Hexen sind, aber sie sind nicht wirklich Hexen. Sie sind eher wie Feen, weil sie Flügel haben. Jede von ihnen hat im Grunde die Macht über ein Element.

Ich glaube, es hat immer noch eine gewisse Leserschaft. Jedenfalls haben sie danach Cartoons gemacht und es wurde irgendwie global.

Es wurde von Disney in Italien veröffentlicht, und ich glaube, auch weltweit. Es war der beste Comic-Stil, den ich je gesehen hatte, denn Alessandro hat diesen wirklich unglaublichen Stil, vor allem in den frühen 2000er Jahren, als er den Disney-Stil mit Manga kombinierte.

Die Themen waren sehr jugendlich, was für Disney seltsam war. Normalerweise richteten sie sich eher an Kinder.

Das hat meine Welt einfach umgeworfen. Ich dachte mir: “Oh mein Gott! Das ist das Beste überhaupt!” Ich habe die Kunst einfach geliebt und meine ganze Zeit damit verbracht, sie zu kopieren. Das war es also, was mich zur Kunst gebracht hat.

Wie sieht dein typischer Illustrationsprozess aus?

Ich bin sehr dafür, alles in Schritte zu unterteilen. Denn besonders wenn ich für Kunden illustriere, möchte ich, dass sie in jeder Phase auf dem Laufenden sind. Wenn du sonst einige Schritte überspringst und ihnen dann ein fertiges Produkt schickst, könnten sie sich umdrehen und sagen: “Oh, das wollte ich aber gar nicht.”

Und dann musst du alles noch einmal machen. Deshalb halte ich es für das Beste, sie so gut wie möglich auf dem Laufenden zu halten und ihnen klar zu machen, welches Feedback sie in jeder Phase geben können.

Ich denke, das ist eine wirklich gute Lektion, die du als Freiberufler lernen musst. Deine Zeit ist buchstäblich Geld. Also musst du deinen Kunden beibringen, was sie in jeder Phase erwarten können, denn natürlich ist jeder Künstler anders.

Sie haben vielleicht schon mit anderen Künstlern gearbeitet, die einen anderen Arbeitsablauf haben.

Ich beginne gerne mit Vorschaubildern. Es ist super, super grob – unmöglich zu verstehen, was da vor sich geht.

Nachdem es genehmigt wurde, mache ich grobe Skizzen, die im Grunde genommen ein bisschen klarer sind als die Thumbnails.

Und dann ist es eher Sache der Kunden, das zu beurteilen, denn viele Kinderbuchverlage haben zum Beispiel viele Richtlinien, an die sie sich halten. Kinder in einem bestimmten Alter haben vielleicht nicht das intellektuelle Rüstzeug, um manche Texte zu verstehen, wenn die Illustrationen zu kompliziert sind.

Oder in manchen Fällen, vor allem in bestimmten Märkten, kann man nicht zulassen, dass Figuren bestimmte Handlungen ausführen oder bestimmte Kleidung tragen, weil es sonst für die Menschen in diesem Markt beleidigend wäre.

Wenn ich also für alles andere eine Genehmigung bekomme, gehe ich zu den klaren Linien über. Wenn die klaren Linien feststehen, ist der nächste Schritt die Farbe. Wenn der Kunde danach noch Feedback geben will, kostet ihn das nur noch mehr Geld.

Wenn der Kunde den Entwurf hat und ich sage: “Okay, genau so wird es aussehen, nur farbig.” Und sie sagen: “Ja, das ist gut.” Aber dann, nachdem sie die Farbe hinzugefügt haben, sagen sie: “Oh, aber eigentlich wollte ich, dass die Figur einen Stift hält und keinen Löffel.”

Ich sage: “Dann musst du mehr bezahlen, denn das bedeutet, dass ich zurückgehen und die Farbe neu machen muss.” Das ist so ziemlich mein Arbeitsablauf.

Würdest du empfehlen, als Illustrator einen Agenten zu finden? 

Ich würde es auf jeden Fall empfehlen! Wenn du in der Buchbranche arbeiten willst, solltest du auf jeden Fall einen Agenten haben, denn die Verlage verhandeln meist nicht mit Einzelpersonen.

Es sei denn, du bist ein Superstar, also jemand, der eine herausragende Medienpräsenz hat – wie einer dieser Künstler, die 3 Millionen Follower haben.

Ich habe 2017 einen Agenten bekommen, als ich buchstäblich niemand war – nicht, dass ich jetzt berühmt wäre, aber damals war ich noch weniger bekannt. Ich hatte gerade diese zweijährigen Animationskurse abgeschlossen, die ich an einer Schule hier in Italien machte.

Ich habe mir eine Liste mit vielleicht 90 Agenturen gemacht, die ich online nachgeschlagen habe, indem ich einfach bei Google nach ‘Illustration, Agentur oder Buchagent,‘ oder so etwas gesucht habe. Dann habe ich eine Liste mit etwa 80 oder 90 Agenturen erstellt und sie alle kontaktiert.

Fünf haben sich bei mir gemeldet. Von diesen fünf war ich, glaube ich, bei zwei von ihnen kurz davor, zu unterschreiben. Einer von ihnen schien keine umfangreiche Online-Präsenz zu haben, während das Unternehmen, bei dem ich jetzt bin, ein Büro auf so ziemlich jedem Kontinent der Welt hat, was mir bei meiner Entscheidung geholfen hat.

Was inspiriert dich, wenn es um das Schaffen geht?

Ich habe definitiv bestimmte Themen, die davon abhängen, was ich gerade lese oder sehe.

Ich bin manchmal sehr fan-gesteuert, zumindest was meine Kunst angeht

Auch wenn ich keine spezielle Fanart für etwas mache, das ich liebe, kann es sein, dass ich mich davon inspirieren lasse. So lese ich zum Beispiel gerade Das Sturmlichtarchiv, ein Buch von Brandon Sanderson.

Es handelt sich dabei um eine Buchreihe, die in einer anderen Welt spielt, die Fantasy ist. Es gibt riesige Schwerter, Magie und all den anderen Kram.

Auch wenn ich vielleicht keine speziellen Fanarts für sie zeichne, interessiere ich mich im Moment für massive Schwerter. Wenn ich also ein paar Charaktere zeichne, werden sie in Kampfkleidung oder schönen Kleidern sein.

Und manchmal habe ich stattdessen diese mittelalterliche Stimmung oder eher eine Steampunk-Stimmung.

Es hängt im Grunde nur davon ab, was ich gerade lese!

Außerdem mache ich viele Wanderungen mit meinem Partner und meinem Hund. Das ist eine meiner Lieblingsbeschäftigungen an den Wochenenden – einfach in die Berge oder sonst wohin fahren und spazieren gehen.

So, ja, das ist sehr inspirierend für mich, auch weil ich am Ende eine Million Fotos von jedem einzelnen Pilz oder jedem einzelnen Grashalm mache, den wir treffen.

Hast du irgendwelche Studien gemacht, die dir bei deiner Illustration geholfen haben, und wenn ja, würdest du sie anderen Leuten empfehlen?

Ich habe in der Schule und an der Uni etwas völlig anderes gemacht. Ich bin auf ein Gymnasium gegangen, was es in anderen Ländern wohl nicht gibt.

Aber in Italien habe ich Latein gelernt, was in meinem Leben überhaupt keinen praktischen Nutzen hat, aber kulturell gut ist.

Danach bin ich auf eine Universität in London gegangen, die University of the Arts, und ich habe Zeitschriften herausgegeben. Ich hatte also definitiv einen Grafikdesign-Hintergrund.

Ich habe eine Zeit lang in London für eine Marketingagentur gearbeitet. Mein Leben schien in eine bestimmte Richtung zu gehen. Es würde eine gute sein – im Grunde eine gute.

Aber nach weniger als einem Jahr dachte ich: “Das langweilt mich zu Tode.”

So bin ich nach China gegangen und habe dort ein Jahr lang ESL unterrichtet. Mir wurde klar, dass das Einzige, was ich wirklich mag, Comics, Bücher und Cartoons sind.

Warum versuche ich dann nicht, das zu tun?

Ich bin nach Italien gegangen und habe zwei Jahre an der International School of Comics in meiner Heimatstadt studiert, vor allem, weil ich auf diese Weise ein bisschen Geld für Miete und so sparen konnte.

Dieser Kurs war also meine Grundlage im Zeichnen. Außerdem habe ich diesen Storyboard-Master-Kurs bei einer Online-Schule namens CG Master Academy belegt. Dort gibt es diese Kurse, die nicht aufgezeichnet sind, sondern von einem Lehrer geleitet werden. Sie überprüfen deine Hausaufgaben und all das.

Ich habe diese Masterclass mit Eugene Huang, der ein Storyboard-Künstler ist, der an vielen coolen Sachen bei Rick and Morty mitgewirkt hat.

Es war wirklich gut, mit ihm zu arbeiten, weil er ermutigendes Feedback gegeben hat, aber gleichzeitig auch super ehrlich zu den Dingen war, was ich in meinen vorherigen Kursen vermisst habe.

Ich brauchte jemanden, der mir direkt sagt, dass ich immer noch Müll bin und immer noch wachse. Ich merkte, dass ich nicht genug übte, um gut zu sein, also reduzierte ich meine Arbeitsstunden und begann, jeden Tag Kunst auf Instagram zu posten.

Die Wahrheit ist, wenn du nicht zwei oder drei Stunden am Tag ins Zeichnen investierst, wirst du nicht an einen Punkt kommen, an dem du ein professioneller Künstler sein kannst. Das ist wirklich unfair, denn wer hat schon so viel Zeit?

Welchen Rat würdest du deinem jüngeren Ich geben, basierend auf dem, was du jetzt weißt? 

Diese Frage impliziert normalerweise, dass du etwas ändern würdest, aber die Sache ist die, dass ich nicht wirklich etwas ändern will, denn wenn ich das tun würde, wäre ich jetzt nicht hier. (Und es wäre wahrscheinlich eine riesige Zeitschleife und würde das Universum zerstören!) Also will ich mir selbst keine Ratschläge geben. 

Eine Sache, die ich jungen Künstlern sagen würde, die gerade versuchen, in der Branche Fuß zu fassen, ist: Wertet euch und eure Kunst nicht ab!

Ich habe das Glück, dass ich nicht viel wegen meines Agenten gemacht habe.

Ich finde, Websites wie Fiverr sind so unfair gegenüber Künstlern.

Das sind sehr unmoralische Websites, weil du nur 5 Dollar dafür bekommst, eine Figur für jemanden am anderen Ende der Welt zu erstellen.

Anstatt diese Seiten zu nutzen, könntest du dich darauf konzentrieren, an deinem Portfolio zu arbeiten oder dein eigenes Projekt zu entwickeln.

Das wird für Leute, die dich einstellen wollen, noch interessanter sein. Vielleicht bekommst du einen besseren Job, bei dem du auch anständig bezahlt wirst.

Gibt es eine bestimmte Methode, mit der du deine Preise als Freiberufler berechnest? 

Ich weiß, dass ich nicht unter $30 pro Stunde gehen will, ganz einfach, weil ich als Englischlehrer $25 pro Stunde bekommen habe.

Und ich dachte mir: “Wenn ich als Künstlerin weniger verdiene, kann ich genauso gut wieder Lehrerin werden. Das war viel einfacher und weniger stressig.”

Ich kalkuliere auch nach der Größe eines Projekts. Wenn das Projekt lange dauert, berechne ich eher einen Pauschalpreis.

Dummerweise kannst du den Preis manchmal nicht selbst bestimmen, weil es einen bestimmten Betrag gibt, den die Leute normalerweise für Abdeckungen zahlen.

Es sei denn, du bist ein Superstar, der durch X, Y, Z bekannt ist (was ich nicht bin). Also musst du manchmal einfach mitmachen.

Es kommt auch darauf an, wie groß der Kunde ist, weißt du. Ich habe für Disney und Lucky Charms gearbeitet, also fängt alles bei einem viel höheren Preis an, weil sie es gewohnt sind, viel Geld zu zahlen.

Endlich musst du selbst entscheiden, ob du nur für Geld arbeiten willst oder auch für Dinge, die du magst.

Was ist deine Lieblingsrolle, in der du gearbeitet hast? 

Hmm. Ich denke, mein Lieblingsprojekt war wahrscheinlich Die Glücksbringer vom letzten Jahr. Als Künstler kann man ganz schön einsam sein, denn der Kontakt zu den Kunden ist nicht dasselbe wie die Arbeit in einem Team, oder?

Bei diesem Projekt hatte ich also viel mehr die Erfahrung eines Teams. Es war ein Buch, also waren viele Leute beteiligt. Sie haben mich als Künstler für das Buch engagiert, aber ich musste auch das gesamte Grafikdesign und das Charakterdesign machen, weil die Charaktere vorher noch nie gezeigt worden waren.

Es war eine ziemlich große Aufgabe, aber es war wirklich schön, weil wir echte Teamtreffen hatten. Vor allem am Anfang, als wir über die Ästhetik und die Richtung entschieden, in die wir gehen wollten.

Alle Leute im Team waren Frauen in meinem Alter, also kannten wir alle die gleichen popkulturellen Referenzen. Es war wirklich schön, einfach ein Team zu haben, weißt du?

Welche Software und Grafiktabletts verwendest du am liebsten zum Illustrieren? 

Mein Favorit hängt davon ab, was ich gerade mache. Wenn ich nur für mich selbst Kunst mache, würde ich wahrscheinlich nur mein iPad und Procreate benutzen.

Wenn ich für mich selbst zeichne, sitze ich normalerweise irgendwo und mache es mir gemütlich, deshalb ist es einfacher. Aber wenn ich für einen Kunden arbeite, ist Photoshop das Richtige für mich.

Ich habe mir vor kurzem einen Mac Studio gekauft und benutze immer noch ein Wacom Cintiq 22 HD, das zwar sehr alt ist, aber immer noch funktioniert! Die Bildschirmschärfe ist ziemlich gering, sobald man eine Schutzfolie anbringt. Nach einer langen Zeit des Startens bekomme ich Kopfschmerzen. Es ist also wirklich keine gute Idee, mit diesem Tablet zu arbeiten, um ehrlich zu sein.

Das iPad hat eine begrenzte Rechenleistung. Vor allem bei bestimmten Arbeiten, wie z.B. bei Büchern und so, habe ich manchmal Dateien, die so groß sind, weil man berücksichtigen muss, dass sie gedruckt werden müssen.

Deshalb müssen sie eine sehr hohe DPI haben, was die Datei viel größer macht. Und wenn du in Procreate die Dateigröße erhöhst, verringert sich auch die Anzahl der Ebenen, die du haben kannst. Für meinen Arbeitsablauf bin ich sehr abhängig von Ebenen. Also ja, ich muss auf jeden Fall meinen Computer benutzen, um an Kundenarbeiten zu arbeiten.

Fühlst du dich inspiriert?

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