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Rhea
Nous aimons tous cette période festive de l’année ! Bien que décembre puisse être un mois de l’année bien chargé (et parfois stressant), il peut aussi apporter un sentiment nostalgique parfait pour inspirer de nouveaux projets créatifs !
A 21 Draw, nous offrons à nos étudiants un large éventail de cours d’illustration détaillée et de livres qui leur permettent d’embrasser leur créativité et d’apprendre de nouvelles méthodes artistiques !
Pour célébrer cette saison festive, nous allons partager quelques-unes de nos astuces préférées de nos formidables artistes.
Apprenez à créer votre propre illustration de fête à partir de rien ! Sans plus attendre, commençons par la Partie 1 : Organisez votre illustration !
Pourquoi la’organisation est-elle si importante ?
Bien que vous puissiez être impatient de vous précipiter dans le dessin, trouver les meilleures idées et images de référence pour accompagner votre processus d’illustration va grandement améliorer votre travail ! Une œuvre d’art avec des bases bien développées va vraiment se démarquer auprès de son public ! “Utiliser des références ne fait pas de vous un artiste moins doué ou moins original. Elles donneront à votre art davantage de crédibilité et de détails.” – Maria La Malandrino
Qu’est-ce qui vous vient à l’esprit quand vous pensez à Noël/aux fêtes de fin d’année ?
Avant de nous lancer dans la recherche d’images de référence, il faut d’abord décider du sujet de l’illustration.
Ce que nous associons aux fêtes de fin d’année va être différent pour chacun, il est donc important de réfléchir à ce que cela signifie pour vous spécifiquement. Cela contribuera vraiment à rendre le processus d’illustration plus agréable pour vous, tout en donnant à votre travail cette touche personnelle !
Quand on évoque le mois de décembre, voici ce qui me viennent à l’esprit :
Un conte que j’ai adoré petite était Casse-Noisette (surtout la version Barbie, qui je le sais n’est pas forcément la plus fidèle), j’ai donc choisi de centrer mon illustration autour de ce thème.
Il y a tellement de méthodes différentes pour trouver des références pour votre illustration, que ce soit à travers des expériences de la vie réelle comme la visite d’un musée, d’une galerie d’art, d’un festival ou sur Internet en utilisant des plateformes géniales comme Google Imageset Pinterest.
Personnellement, j’aime utiliser Pinterest, c’est un site web simple qui vous permet d’ “épingler” vos images choisies sur des mood-boards. C’est un excellent moyen de conserver toutes vos images en un seul endroit.
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Lorsque je rassemble mes images de référence, il y a quelques catégories que j’aime regarder pour m’assurer d’avoir bien préparer mon illustration :
Cela vous aidera à choisir un ton général pour votre illustration, et vous pourriez même changer d’avis en cours de route !
Celle-ci peut sembler évidente, mais l’une des premières choses que j’aime rechercher, ce sont des images qui ont une ambiance, une atmosphère, une composition ou une palette de couleurs similaires à ce que je veux pour mon illustration.
Comme le démontre Tony Bancroft dans son incroyable cours “Dessiner des poses qui ont de la personnalité“, une pose dynamique peut ajouter tellement d’émotion et d’intérêt à votre illustration. La pose peut être très délicate, surtout lorsque vous essayez quelque chose de nouveau pour la première fois.
Puisque mon illustration va être axée sur le ballet, j’ai rassemblé une gamme de différentes images de photographie de danse parmi lesquelles choisir. Avoir des images de référence pour vos poses peut vraiment aider vos personnages à paraître plus naturels.
Vous avez donc votre thème et la pose de votre personnage, mais que portent-ils ? Le cerveau humain est puissant, mais on ne peut pas lui faire confiance pour se souvenir de chaque détail complexe des différents styles de vêtements. Il est important que vous ayez quelques références de tenues différentes à regarder pendant que vous illustrez !
Réaliser le scénario d’éclairage souhaité purement à partir de votre imagination peut entraîner quelques complications dans votre processus d’illustration. Comme on peut le voir dans le cours d’Aveline Stokart, “Maîtriser la lumière et l’ombrage“, avoir des références d’éclairage peut vous aider à créer une lumière plus réaliste dans votre travail.
Bienvenue à la DEUXIÈME PARTIE de notre tutoriel sur les illustrations de Noël ! Nous allons vous donner nos meilleurs conseils et astuces issus de nos cours pour vous guider dans lesétapes de l’esquisse et de la couleur de votre illustration.
Pour vous assurer que vous êtes prêt à aller de l’avant avec le tutoriel, vous devriez avoir créé un mood-board d’images de référence pertinentes pour votre conception. Vous trouverez ci-dessous un exemple que j’ai créé pour ma propre illustration ayant pour thème Casse-Noisette. Si vous avez quelque chose de similaire, alors vous êtes prêt à continuer !
Maintenant que vous avez vos images de référence, il est temps de plonger dans le processus d’esquisse ! Prenez votre référence de pose, et commençons avec quelques conseils de certains de nos incroyables artistes.
L’une des toutes premières choses que vous devriez identifier lorsque vous commencez à esquisser une pose est la ligne d’action. Cette ligne doit en gros suivre la courbe de la pose et vous guider pour positionner les différentes parties du corps du personnage.
Souvent, elle suivra la colonne vertébrale du personnage, mais ce n’est pas toujours le cas. Donc, avant d’esquisser, tracez d’abord légèrement une ligne d’action.
“La ligne d’action concerne l’attitude et la courbe d’une pose. Elle permet de donner une idée de la direction, de l’émotion et de la force de la pose.” –Tony Bancroft – “Dessiner des poses qui ont de la personnalité“
Une fois que vous avez établi la ligne d’action de votre personnage, l’étape suivante consiste à commencer à bloquer les différentes formes du corps. La méthode préférée pour cela varie selon les artistes, mais typiquement, chaque partie clé du corps sera représentée à l’aide de formes simples, en commençant par la tête ou le torse comme base.
Les points d’articulation peuvent être signifiés à l’aide de petits cercles pour montrer leur placement entre chaque forme. Vous trouverez ci-dessous une méthode géniale pour les débutants, recommandée par notre talentueuse artiste, Neimy Kanani, dans son cours “Le dessin anatomique pour débutants“.
Le corps doit être décomposé en formes pour :la tête, le torse, les hanches, les mains, les pieds, les membres supérieurs, les membres inférieurs, les jambes supérieures et les jambes inférieures.Vous devez vous référer à votre image de référence pendant cette étape afin d’obtenir la bonne attitude.
Maintenant que vous avez les fondations de votre personnage tracées, vous pouvez commencer à ajouter des choses comme les courbes du corps de votre personnage, son costume, ses accessoires et d’autres détails.
Au cours de cette étape de l’illustration, vous pouvez également commencer à nettoyer votre croquis et à effacer certains détails structurels lorsque vous n’en avez plus besoin comme guides.
Pour mon illustration, j’ai choisi de modifier le costume du personnage féminin par rapport à la référence de pose pour en faire quelque chose avec des manches plus longues et davantage de détails en dentelle.
Une fois que vous avez terminé votre esquisse, vous serez prêt à commencer à ajouter vos couleurs de base. Ce sont des couleurs unies utilisées pour représenter la palette générale que vous voulez pour votre travail.
Avant même de commencer à poser vos couleurs, il est bon d’avoir une palette de couleurs spécifique en tête. Différentes combinaisons de couleurs créeront des effets différents.
Par exemple, selon Meike Schneider dans son cours “Dessiner un Personnage Féminin“, les palettes de couleurs complémentaires, telles que les couleurs traditionnelles de Noël rouge et vert, peuvent être utilisées pour créer une illustration vibrante et très contrastée.
Vos images de référence peuvent créer une inspiration pour différentes palettes de couleurs que vous pourriez vouloir utiliser.
Maintenant que vous avez choisi votre palette de couleurs, il est temps de commencer à peindre dans vos couleurs. Vous pouvez le faire de deux façons, en peignant vos sujets en utilisant une seule couleur pour toute leur silhouette et en utilisant ensuite des masques d’écrêtage pour ajouter des détails OU en peignant chacune des différentes zones colorées sur des couches séparées.
Une fois que toutes vos couleurs ont été ajoutées, vous pouvez revenir en arrière et ajuster celles qui ne correspondent pas tout à fait à l’illustration correctement. Pour ce faire, il suffit d’appliquer un ‘ajustement de la teinte, de la saturation et de la luminosité’à votre couche de couleur souhaitée et de modifier les couleurs selon vos besoins.
Vous voulez en apprendre encore PLUS sur le croquis et la colorisation ? Pourquoi ne pas essayer l’un de nos passionnants cours d’illustration ?
Dans cette partie de notre tutoriel de Fêtes, nous allons faire un pas de plus vers la finition de notre magnifique œuvre d’art en terminant la partie éclairage et ombrage du processus !
Suivez les ASTUCES de nos cours et apprenez tout sur l’ajout devariations de couleurs, de sources de lumière, d’ombres, de hautes lumières et une tonne d’autres détails dans la leçon d’aujourd’hui ! Passons à présent à l’ombrage !
Avant de nous lancer dans l’ombrage de notre illustration, il peut être utile d’introduire une certaine variation de couleur dans nos aplats de couleurs. Une façon simple de le faire est de créer un masque d’écrêtage au-dessus de votre couche désirée, puis, à l’aide d’un pinceau doux, d’ajouter une variation de couleur.
Les éléments comme la peau et les cheveux auront souvent davantage de variation de couleur que le reste.
Par exemple, les personnages auront généralement des tons plus chauds autour des joues, du nez et des yeuxmais des tons plus froids sur lamoitié inférieure de leur visage. La façon dont la variation de couleur se présente changera en fonction de la couleur de peau d’une personne, il peut donc être bon de trouver des références qui correspondent à la peau de votre sujet.
Décider du type de source lumineuse pour votre illustration et sa position est capital avant de commencer votre processus d’ombrage. En effet, cela va influencer les types d’ombres de votre illustration, ainsi que l’endroit où elles tombent.
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Pour mon illustration, j’ai décidé d’avoir trois sources de lumière principales, qui seront toutes diffuses en raison du temps neigeux et de l’heure de la journée.
Puisque mon illustration se déroule en début de soirée, ma première source de lumière est le ciel, qui conserve encore un peu de lumière en raison du temps couvert.
En outre, il y aura la lumière d’un lampadaire doux, aux tons chauds, provenant du coin supérieur droit de la toile, et le contre-jour des lumières de l’arbre de Noël.
En utilisant ces trois sources de lumière, je peux commencer à prévoir la place de mes ombres et mes lumières dans l’illustration, ainsi que toute variation de couleur supplémentaire.
Étape 3 : Ombres et hautes lumières simples
Maintenant que vous avez établi vos sources de lumière, vous pouvez commencer à ombrer ! C’est à vous de décider si vous faites de l’ombrage en utilisant un calque normal ou un calque de fusion.
Personnellement, j’aime commencer avec un calque normal et un pinceau texturé et dur pour bloquer mon ombrage global, puis passer aux calques de fusion pour affiner les couleurs et la profondeur par la suite.
Lorsque vous ajoutez votre première série d’ombres et de lumières à votre illustration, je vous recommande de vous concentrer sur des zones spécifiques, une à la fois. Typiquement, je vais d’abord ombrer la peau et les cheveux, avant de passer aux vêtements et à l’arrière-plan.
C’est une bonne façon de simplifier le processus, car vous ne devez penser qu’à un seul ensemble de couleurs à la fois. N’oubliez pas de vérifier que votre ombrage correspond à vos sources de lumière comme votre ombre !
A ce stade du processus d’ombrage, vous devriez avoir grossièrement ombré toutes vos lumières et vos ombres.
Ne vous inquiétez pas s’ils ne sont pas parfaits à ce stade, car nous sommes sur le point de les peaufiner ! Un moyen génial et simple de le faire est d’utiliser les modes de fusion ! Selon notre incroyable artiste Aveline dans son cours “Maîtrise la lumière et l’ombrage“, différents modes de fusion vont être utiles pour différents types d’ombrage :
ATTENTION : Pour utiliser les modes de fusion, il suffit de créer un nouveau calque/masque d’écrêtage au-dessus de vos calques de couleur de base et de le régler sur le mode de fusion souhaité dans vos options de calque.
Ce processus est une bonne occasion pour vous d’expérimenter différents modes de fusion et de trouver ce qui fonctionne le mieux pour vous ! Rappelez-vous simplement que vous voulez que votre ombrage ait à la fois une profondeur de couleur et un contraste. Les bords des ombres et des hautes lumières peuvent également être plus saturés en couleur que leurs zones environnantes.
Comment vous êtes-vous débrouillé avec votre éclairage et votre ombrage ?
Pour la quatrième et dernière partie de ce défi d’illustration, nous allons apprendre à ajouter les détails de finition à notre œuvre ! Je suis sûr que vous êtes impatient de terminer votre magnifique dessin, alors on y va !
Colorez les couleurs les plus claires de votre ciel et utilisez-les pour ajouter un brouillard atmosphérique entre chaque couche de votre environnement. Un pinceau doux réglé à environ 20% d’opacité fonctionnera le mieux.” – Philip Sue Une excellente méthode pour lier tous les éléments de votre illustration est d’ajouter quelques détails atmosphériques à votre travail.
Ce que vous choisissez d’ajouter dépendra entièrement de l’endroit où se déroule votre illustration. Pour les illustrations d’extérieur, vous pourriez vouloir ajouter des choses comme le brouillard, la neige, la pluie, les rayons lumineux, la profondeur des ombres, les hautes lumières, le flou atmosphérique ou la désaturation des détails de l’arrière-plan. Pour les illustrations d’intérieur, vous pouvez essayer des choses comme
les effets d’éclairage, l’augmentation des détails du premier plan et le flou des parties de votre arrière-plan pour obtenir un effet de profondeur.
Puisque mon illustration se déroule à l’extérieur, j’ai décidé d’ajouter un brouillard atmosphérique autour de la base des personnages et des objets d’arrière-plan, ainsi que de la neige qui tombe avec des effets de flou de mouvement.
Au cours de cette étape de l’illustration, j’ai également rendu plus d’éléments de l’environnement et ajouté un effet de lueur aux lumières de fée sur le sapin de Noël.
Selon les pros, les points focaux de votre illustration doivent contenir le plus de détails. En effet, les zones très détaillées de votre illustration sont beaucoup plus susceptibles d’attirer l’attention d’un spectateur.
Pour la plupart des illustrations, le point focal sera votre sujet, en particulier son visage, ainsi que tout autre élément clé de l’image pour raconter l’histoire.
Pour mon illustration de Casse-Noisette, je voulais que le point focal soit le visage de mes deux personnages. Pour y parvenir, je me suis assuré que leurs visages étaient les éléments les plus peaufinés de mon illustration.
En outre, j’ai ajouté des détails supplémentaires qui attirent le regard, comme des mèches de cheveux et des flocons de neige pour encadrer leurs visages. Vous pouvez également créer cet effet en apportant des reflets à votre sujet et en accentuant leurs yeux, leur bouche, leur nez, etc.
NOTE :La zone que vous détaillez dans votre illustration va attirer l’attention, alors faites attention à ne pas sur-détailler les zones qui ne sont pas des points focaux. Si cela se produit dans votre arrière-plan, vous pouvez toujours essayer de le corriger en utilisant un filtre de flou tel que la ‘Flou Gaussien’ pour atténuer une partie des détails.
Vous êtes sur le point de terminer votre illustration ! Il ne nous reste plus qu’à ajouter nos derniers ajustements. Ceux-ci permettront de tout lier dans votre illustration. Les ajustements finaux sont expliqués en détail par Aveline dans son cours “Maîtriser la lumière et les ombrages“. Voici quelques ajustements que vous pouvez essayer :
La tonalité, la luminosité et la saturation : Ces paramètres peuvent être très utiles pour finaliser toutes les couleurs de votre travail et ajouter un peu de dynamisme supplémentaire là où c’est nécessaire. Vous pouvez également profiter de cette occasion pour vous assurer que votre illustration possède la luminosité/obscurité que vous vouliez.
Calque de couleur en Incrustation: Ajoutez une calque de fusion en ‘Incrustation’ par dessus votre illustration, et remplissez ce calque avec l’une des couleurs de votre thème principal. Diminuez l’opacité de ce calque autour de 10-15% (ou ce qui vous semble le mieux). Vous devriez maintenant avoir une teinte subtile sur l’ensemble de l’illustration. C’est un excellent moyen de faire en sorte que toutes les couleurs de votre illustration paraissent plus cohérentes.
Vignette : À l’aide d’uncalque de fusion en ‘Produit’ et d’un pinceau doux, vous pouvez ajouter une vignette subtile autour de vos sujets. Cela peut être génial pour les illustrations à faible luminosité ou oniriques. Ajustez l’opacité du calque pour obtenir l’effet désiré. Densité Couleur -/Incrustation : À l’aide d’un pinceau doux sur un calque réglé sur ‘Densité Couleur -‘ou ‘Incrustation’ (selon votre préférence), vous pouvez ajouter un magnifique Halo provenant des zones réfléchissantes de vos sujets, comme leur peau et leurs cheveux. Cet effet peut être aussi subtil ou aussi audacieux que vous le souhaitez, en fonction de l’éclairage de votre illustration.
Félicitations ! Vous avez créé une illustration entière du début à la fin ! Cette saison festive est le moment PARFAIT pour explorer votre créativité et apprendre de nouvelles compétences artistiques avec l’un de nos incroyables cours.
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Rhea
Rhea est une artiste conceptuelle australienne qui étudie actuellement à l'université Griffith. Elle est passionnée par la diffusion de son amour de l'art auprès des autres.
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